IT’S ME
GEOFFREY BOUILLOT
LIST
<PRINTS>
by CUSTOMELLOW_26Q/26A
Geoffrey bouillot
커스텀멜로우 아티스트 웹진 <PRINTS>에서는 작가의 공간 속 테이블 앞에서 작가가 애호하는 음식을 두고 작가의 일상과 작업에 대해 편안하게 묻고 듣는 컨셉을 지향하고 있어요. 먼저, 작가님의 일상에 대해 묻고 싶습니다. 일상 속 작업실에서 보통 어떤 하루를 보내시는지 궁금합니다.
저는 아침 5시에 일어나 아침 식사와 커피를 즐긴 후, 6시부터 작업을 시작합니다. 점심시간까지 계속 그림을 그리다가, 오후 1시까지 휴식을 취합니다. 이후 작업을 다시 시작해 오후 5시까지 계속합니다. 이 루틴은 월요일부터 금요일까지 매일 따릅니다.
테이블은 예술가의 작업대로 쓰이며 영감이 발현되는 장소가 되기도, 한편 음식을 먹고 이야기를 나누며 내밀한 생활을 엿볼 수 있는 사물이 되기도 합니다. 작가님께서는 보통 테이블에서 어떤 시간을 보내시나요?
프랑스 문화는 가족이 함께 식사를 나누는 "테이블의 문화"로 잘 알려져 있습니다. 가족 모임에서는 보통 오전 11시쯤부터 자리에 앉기 시작하며, 이 시간이 오후 7시까지 이어질 수 있습니다. 하루 동안 식사는 정해진 순서에 따라 이루어집니다. 특히, "현대적인" 레스토랑의 발명은 프랑스에서 시작되었으며, 세계 최초의 레스토랑은 파리에 세워졌습니다. 프랑스에서는 음식의 준비와 즐김이 매우 중요하며, 이는 신성한 의미를 지니고 있습니다.
특별히 오래 사용하거나 친숙한 테이블 등 작가님께서 좋아하거나 의미 있는 테이블이 있다면 소개 부탁드립니다.
저는 테이블에 대해 특별히 선호하는 것이 없고, 오히려 다양한 분위기를 발견하고 바꾸는 것을 즐깁니다. 하지만, 특별히 추천하고 싶은 장소가 있습니다. 제 아내의 고향인 다카마쓰에 있는 "코폴리"라는 카페인데, 이곳에서 제가 인생 최고의 도넛을 맛볼 수 있었습니다.
테이블은 또한 생활 속 음식을 즐기는 공간이기도 합니다. 평소 애호하는 음식이 있다면 무엇인지 궁금합니다. 그걸 드시는 이유도요.
음식에 대한 제 취향은 예술과 마찬가지로 매우 다양합니다. 여러 가지 요리를 즐기지만, 고기는 먹지 않습니다. 만약 하나를 선택해야 한다면, 단연코 팔라펠입니다. 팔라펠은 중동에서 유래한 음식으로, 병아리콩이나 누에콩으로 만든 튀긴 볼이나 패티입니다. 허브, 향신료, 마늘로 간을 하고, 종종 피타 브레드에 야채, 타히니 소스, 혹은 후무스와 함께 제공되어 다채로운 맛을 선사하며, 건강한 식사이기도 합니다. 한국에 방문했을 때 먹었던 '비빔밥'과도 비슷한 느낌이 있습니다. 일본 요리 중에서는 참다랑어의 가장 기름진 부분인 오토로를 특히 좋아하는데, 부드럽게 입에서 녹는 식감과 섬세한 맛이 일품입니다. 프랑스 요리에 있어서는, 논란의 여지가 없죠. 우리는 세계 최고의 치즈를 가지고 있습니다. 특히 풍미가 강한 '콩테' 치즈는 저의 약점입니다!
음식들과 관련해 사소하지만 재미있는 에피소드나 기억에 남는 일화가 있다면 들려주세요.
프랑스에서는 전통적으로 식사 순서가 명확하게 정해져 있습니다: 애피타이저, 메인 요리, 치즈, 디저트. 레스토랑에서는 각자가 자신의 음식을 주문하는 것이 일반적이라 저는 이 방식이 전 세계적으로 통용되는 줄 알았습니다. 그러나 일본에 도착해 일본 친구와 함께 레스토랑에서 식사를 하면서 완전히 다른 접근 방식을 경험하게 되었습니다. 일본에서는 여러 음식을 동시에 주문하고, 테이블에 있는 사람들이 모든 음식을 나눠 먹는 것이 일반적입니다. 저는 제 음식만을 주문했는데, 친구는 여러 가지 음식을 주문해 같이 나눠 먹으려 했습니다. 나중에 알게 된 사실이지만, 그는 제가 제 음식에만 집중하는 바람에 대부분의 음식을 혼자 먹게 되어 약간 어색해 했습니다. 또 다른 에피소드는 제가 일본에 도착한 첫날 아침 식사에서 발생했습니다. 프랑스에서는 아침 식사가 일반적으로 달콤한 음식으로 구성되는데, 일본에서는 함께 있던 친구가 소시지를 포함한 짭짤한 요리를 내주었습니다. 이 경험은 저에게 큰 충격을 주었고, 세계 각지의 다양한 식사 문화를 인식하게 해주었습니다.
현재 도쿄를 기반으로 활동하고 있는 것으로 알고 있습니다. 도쿄와는 어떻게 인연을 맺게 되었나요?
도쿄는 저의 도시입니다. 저는 이제 13년째 도쿄에 살고 있는 도쿄 시민이 되었습니다. 많은 해 동안 재정적인 이유로 자전거로만 이동하며 지하철도 타지 않았습니다. 이 경험 덕분에 저는 도시의 모든 구석구석을 발견하고 이곳에서 집과 같은 편안함을 느낄 수 있게 되었습니다. 여행을 다녀오고도 도쿄로 돌아오면 여전히 깊은 만족감을 느낍니다. 이곳은 제가 편안함을 느끼는 곳이며, 도심의 모든 구석이 소중한 기억을 불러일으킵니다. 이 도시는 제 개인적인 여정과 깊이 연결되어 있습니다. 저는 이곳에서 제 예술을 발전시키고 진정한 예술가가 되었습니다. 이 감정적인 연결은 도쿄가 진정 나의 집이라는 것을 깨닫게 해주었습니다.
프랑스와 일본, 두 문화를 경험하며 가장 흥미로웠던 지점은 뭐였나요? 어떤 다른점이 있다고 느꼈나요?
프랑스와 일본은 뚜렷한 차이점과 놀라운 유사성을 함께 지니고 있습니다. 두 나라는 천 년이 넘는 역사를 가지고 있으며, 깊이 뿌리내린 문화를 자랑합니다. 그러나 그들의 접근 방식은 완전히 다릅니다. 예를 들어, 음식에 대한 인식에서 그 차이가 잘 드러납니다. 프랑스에서는 개인이 강조되며, 누구나 자유롭게 의견을 표현할 수 있는 개인의 자유가 중요시됩니다. 반면, 일본에서는 집단을 중시하며, 집단의 조화가 최우선입니다. 하지만 프랑스의 방식은 때때로 혼란스럽게 느껴질 수 있는 반면, 일본에서는 대중교통이나 일상생활의 다른 측면에서 조직화가 완벽하다는 인상을 줍니다. 이러한 차이에도 불구하고, 프랑스와 일본은 오랜 외교 관계를 유지하고 있습니다. 일본에는 수많은 프랑스 빵집, 제과점, 레스토랑이 있으며, 프랑스는 일본에 이어 세계에서 두 번째로 많은 만화를 소비하는 나라입니다. 이는 두 나라 사이의 활발한 문화 교류를 잘 보여줍니다.
작가님의 웹사이트에서 자신을 소개하며 ‘bearing my unmismistakable signature’에 대한 표현이 있어요. 작가님의 작업 방식 혹은 작품에 대한 키워드 같기도 했어요. 구체적으로 어떤 걸 의미하는지 궁금합니다.
우리는 특히 인스타그램과 같은 소셜 미디어를 통해 수많은 재능 있는 아티스트를 발견할 수 있는 시대에 살고 있습니다. 현대 미술가로서 저는 독창성의 중요성을 매우 강조합니다. 여러 해 동안 저는 저만의 예술적 정체성을 개발하는 것을 목표로 삼아왔습니다.저는 가장 뛰어난 드로잉 실력을 갖춘 사람도 아니고, 가장 재능 있는 아티스트도 아닙니다. 전통적인 예술 교육을 받지 않았고, 대신 예술에 대한 열정을 가진 독학 예술가입니다. 예술가들의 삶을 관찰하면서 깨달은 것은 2024년에 성공하는 예술가가 되기 위해서는 강력한 예술적 정체성과 독특한 스타일이 필요하다는 것입니다. 제 작품을 좋아하든 그렇지 않든, 제가 바라는 것은 한눈에 제 스타일을 알아볼 수 있게 하는 것입니다. 그것이 제가 현대 미술가로서의 사명입니다.
일본의 망가 스타일도 당신의 작품에 많은 영향을 미쳤습니다. 작가님이 생각하는 망가의 매력은 무엇인가요?
6살 때, 초등학교 첫날 드래곤볼 의상을 입고 있는 제 사진이 있습니다. 1990년대에는 프랑스 텔레비전 프로그램인 'Club Dorothée'에서 일본 애니메이션을 방영했는데, 당시 청소년의 75%가 이 프로그램을 시청했으며, 시장 점유율은 55%에 달했습니다. 이 프로그램은 주당 30시간 이상 방송되었고, 세계 기록을 세웠습니다. 이처럼 제 세대의 프랑스인들은 만화와 그들이 전달하는 메시지에 깊은 영향을 받았습니다. 제 초기 드로잉은 주로 드래곤볼에 영감을 받았으며, 포켓몬, GTO, 나루토와 같은 시리즈를 따라 성장했습니다. 처음부터 제 예술적 창작물은 만화였습니다. 수업 중에 책을 책상 밑에 숨겨가며 몰래 만화를 읽던 기억이 납니다. 제 노트는 항상 만화 그림으로 가득 차 있었으며, 초등학교에서 학업을 마칠 때까지 이 습관을 유지했습니다.
작가님의 작품을 수식하는데 있어, 망가/팝아트/입체주의/이탈리아 퓨처리즘 등이 나옵니다. 솔직히 이러한 키워드를 스스로 정의하지는 않았을 것 같아요. 위의 수식에 동의하나요? 그렇다면 어떤 점에서 그렇다고 생각하나요?
네, 전적으로 동의합니다. 제 예술은 여러 가지 이질적인 재료를 혼합한 기이한 수프에 비유할 수 있습니다. 어린 시절 제게 영향을 준 만화는 제가 도쿄에 정착한 후 회화를 발견하면서 더욱 풍부해졌습니다. 놀랍게도, 저는 프랑스에서 미술관에 한 번도 가본 적이 없었습니다. 저의 첫 전시는 도쿄에서 열린 마르크 샤갈의 전시였는데, 이는 저에게 계시와 같은 경험이었고, 진정한 충격이었습니다. 강렬한 색채와 캔버스의 구성은 저에게 깊은 영향을 주었으며, 그 순간 저는 회화에 대한 진정한 열정을 느꼈습니다. 이탈리아 미래주의는 제 작품에 일종의 '원통형' 스타일로 스며들어 있으며, 팝 아트에 대해서는 앤디 워홀이 우리 시대의 천재라고 생각합니다. 그는 소비 사회의 본질을 누구보다 먼저 파악했습니다. 워홀의 시대에 비해 현재의 사회는 그때보다 천 배는 더 소비주의적입니다. 모든 예술가는 자신의 시대를 대표하고 그것을 증언해야 한다고 확신하기 때문에, 도라에몽이나 헬로키티와 같은 인물들이 제 개인사와 도쿄에서의 일상에 지속적으로 영향을 미치고 있는 상황에서 저는 팝 문화의 예술가일 수밖에 없습니다.
이미 유명한 작가가 되었고, 작가님의 정체성을 어느정도 확고히 한 지금이지만 초반 작업은 어땠는지도 궁금합니다. 여러 문화와 스타일을 받아들이면서 다양한 시도도 했을 것 같은데 어땠나요? 지금과 달랐던 신인 작가 Geoffrey Bouillot은 어떤 사람이었고 어떤 작품을 만들겠다고 생각했나요?
모든 것은 단순한 점에서 시작되었습니다. 레스토랑에서 웨이터로 주당 75시간씩 일하며 2년 동안 제 삶을 바친 끝에, 저는 스튜디오를 임대할 만큼의 돈을 모을 수 있었습니다. 이는 일 년 동안 일하지 않고, 매일 그림 그리기에 전념할 수 있는 호화로운 시기의 시작이었습니다. 2014년에 저는 처음으로 창작에 전념하는 방에서 한 해를 보낼 수 있었습니다. 흰 테이블, 깨끗한 종이, 그리고 제 펜이 기억에 남습니다. 예술 공부를 하지 않았기 때문에, 하루에 약 열 시간씩 그림 그리기에 온종일을 보내야 했습니다. 제 첫 번째 반응은 "어떻게 시작하지?"였고, 그래서 거의 기계적으로 점으로 작품을 만들기 시작했습니다. 밀리미터 단위로 진행하면서, 저는 그림의 각 평방 센티미터가 완벽하도록 목표를 세웠습니다. 그래서 처음에는 식물 요소를 묘사한 작품을 그렸습니다. 생각 없이 양파, 토마토, 꽃 등을 그렸는데, 주세페 아르침볼도의 스타일을 연상시키지만 펜을 사용하고 점묘법 스타일로 그렸습니다. 그런 다음 점차 종이를 캔버스로, 펜을 붓으로 대체하게 되었습니다.
이 여정은 길었고, 제 자신의 예술적 정체성을 찾는 데 거의 10년이 걸렸습니다. 자신의 정체성을 찾는 것은 겉보기에 간단한 과정처럼 보입니다. 먼저, 존경하는 예술가들을 모방해야 합니다. 어떤 활동에서든 모방은 학습의 필수 단계입니다. 아무도 스스로 아인슈타인의 유명한 공식 E=mc²을 발견하지 않습니다. 마찬가지로, 현대 수학자들도 공식을 배우고 반복하여 발전합니다. 예술에서도 마찬가지입니다: 위대한 예술가들을 모방하고, 그들의 의도를 이해한 다음, 그들로부터 벗어나 자신만의 길을 찾아야 합니다. 물론 이론상으로는 간단해 보이지만, 저는 어떤 노력에서도 꾸준하고 장기간의 연습이 자동으로 성공으로 이어진다고 확신합니다. 핵심은 인내와 꾸준한 작업에 있습니다.
컬러는 최소한으로 사용하면서 형태나 대비, 명암으로 임팩트를 주는 데 특별한 이유가 있나요?
회화는 종종 설명하기 어려운 감정을 반영합니다. 여러 스타일을 탐구한 후, 2017년에 저는 단순한 항아리를 흑백으로 표현한 작품을 만들었습니다. 이 작품은 흑백의 대비가 독특한 힘을 제공하고, 다른 색들이 따라올 수 없는 강렬함을 준다는 사실을 깨닫게 했습니다. 이 작품은 제 영향에서 벗어나, 저만의 첫 번째 독창적인 요소를 반영한 것이었고, 제 창작물에 처음으로 추가된 개인적인 터치였습니다. 마치 자신의 수프에 소금을 조금 첨가한 것과 같은 느낌이었죠.
작가님의 작품은 미래적이고 추상적이지만 한편으로 토속적이고 레트로한 이미지도 있습니다. 작가님의 의도인가요 아니면 여러 문화와 스타일을 추구한 결과인가요?
물론입니다. 이제는 저만의 기법과 창작 과정을 통해 다양한 테마를 탐구할 수 있는 기반을 갖추게 되었습니다. 이 세상에는 표현할 것이 너무나도 많아서, 저는 한 가지에만 국한되고 싶지 않습니다. 반복을 좋아하지 않으며, 오히려 자신만의 그래픽 스타일을 유지하면서도 새로운 세계를 탐험하는 것을 즐깁니다. 이는 저의 정체성을 보장해 주는 요소이기도 합니다.
작가님 작가 커리어에서 가장 중요한 사건이나 큰 터닝포인트가 된 작품(작가의 작품)이 있나요? 있다면 구체적으로 이야기해주세요.
제 최근 예술 여정에서 분명한 전환점이 된 것은 제 첫 번째 흑백 드로잉이라고 생각합니다. 하지만, 6살 때 그린 매우 오래된 그림도 기억납니다. 그것은 목욕에서 흔히 볼 수 있는 노란 플라스틱 오리를 묘사한 것이었죠. 저는 그 오리를 학교 노트의 한 장에 그렸습니다. 당시에는 그것을 충실히 재현했다고 생각했지만, 솔직히 말해 제 기억이 저를 속이고 있을 가능성이 큽니다. 아마도 원본과는 전혀 닮지 않았을 것입니다, 하하. 그럼에도 불구하고, 그 그림은 저에게 "와우, 그림 그리기는 정말 놀라운 힘을 가진 행위구나"라는 깨달음을 주었죠.
작품에 현실을 투영하고 담아내는 것이 작품을 시작하는 중요한 이유라고 소개한 글을 봤습니다. 작가님이 작품에 담아내는 현실은 어떤 모습인가요? 주목하고 있는(혹은 작품에 투영하고자 하는) 현실은 어떤 건가요?
저를 둘러싼 일상적인 현실은 끊임없는 영감의 원천입니다. 예를 들어, 제 이전 전시회는 도쿄 지하철에서 본 패션 포스터에서 영감을 받았습니다. 그러나 때로는 발명하고 싶은 욕구가 생기기도 합니다. 비록 궁극적으로 우리의 창작물은 우리가 이미 알고 있는 것들에 의해 필연적으로 영향을 받게 되지만요. 영화 속 외계인의 묘사가 눈, 팔, 다리, 때로는 문어와 유사한 특징을 가진다는 점은 우리에게 기존 세계의 지식이 얼마나 영향을 미치는지를 잘 보여줍니다. 저에게 현실은 일상생활을 통해 나타나며, 그래서 제 예술 작품에는 항상 그 현실이 반영되어 있습니다.
작가님 작품에 등장하는 (특히 인물) 대상은 때론 우리에게 친숙하기도 하고 또 낯설기도 합니다. 작품의 주인공을 정하는 작가님만의 기준이 있나요?
이 질문은 이전 질문과 맞닿아 있습니다. 왜냐하면 저의 예술적 선택 기준은 저의 일상과 밀접하게 연관되어 있기 때문입니다. 저는 딸이 보는 TV 프로그램이나 지하철에서 광고되는 최신 비디오 게임들에 깊은 영향을 받습니다. 일본에서는 캐릭터들이 도처에 존재하며, 각 도시, 지역, 회사마다 고유의 마스코트가 있습니다. 지금 저는 3살 된 딸이 만화와 비디오 게임 캐릭터를 발견하고 자신의 선호도를 형성하기 시작하는 시기를 지나고 있습니다. 그녀와 함께 생활하면서, 우리는 집에서 많은 프로그램을 함께 시청하기 때문에 그녀의 선택에 자연스럽게 영향을 받습니다. 이러한 영향은 제 작품에도 반영되어 캐릭터들이 점점 많아지고 있습니다. 게다가, 저는 '푸요'라는 제 자신의 캐릭터를 창조했는데, 이는 제 어린 시절의 본질을 담고 있으며, 제 예술 작품에서 저를 나타내는 일종의 아바타와 같은 존재입니다.
작품을 만드는 과정도 궁금합니다. 보통 하나의 작품에 걸리는 시간은 얼마나 되나요? 또 작업 방식은 어떤가요?
작품의 크기와 세부사항에 따라 완성하는 데 걸리는 시간은 다르지만, 중간 크기의 작품을 기준으로 한다면 대략 15시간에서 20시간 정도가 걸립니다. 제 창작 과정은 항상 동일합니다. 모든 것은 태블릿에서 시작된 스케치로부터 시작되며, 이를 캔버스에 투사한 후, 스케치가 옮겨지면 본격적으로 페인팅 작업을 시작합니다. 이 과정은 잘 정의되어 있고 체계적이며, 우연에 맡기는 부분이 없습니다.
흑과 백을 주제로 하는 작품에 간혹 등장하는 색채감도 인상적입니다. 컬러를 선택하거나 사용하는데 보통 처음부터 기획하나요 아니면 어떤 계기가 있거나 즉흥적인 결과인가요?
색상의 추가는 저에게 새로운 시도입니다. 최근에는 기술을 최대한 단순화하여 단색 배경을 선택했고, 그로부터 색상을 도입할 수 있다는 느낌을 받았습니다. 예술은 살아있는 과정이며 끊임없이 진화하고 있어, 내일 어떤 모습일지는 예측할 수 없습니다. 저는 이 부분에 대해 너무 깊이 고민하지 않습니다. 아이의 자발성으로 그림을 그리며, 창작은 무엇보다 놀이여야 한다고 생각합니다. 저는 하루에 약 10시간을 작업에 몰두하지만, 그 시간이 재미없다면 저는 다른 일을 할 것입니다. 이 인터뷰를 하고 있는 이 순간에도 새로운 작품을 창작 중이며, 이전보다 더욱 다른 스타일을 선보일 예정입니다. 새로운 작업들도 기대해 주세요!
KYNE, Takeru Amano 등 작가님이 영향받은 작가에 대해 이야기한 적도 있죠. 이들 작품의 어떤 점에서 영감을 받나요? 이외에도 작가님이 영향받은 다른 작가나 혹은 영감을 주는 대상은 무엇인가요?
사실 저는 예술적 "시기"를 거칩니다. 늘 그 순간에 제 마음에 드는 '이 시대의 아티스트'가 있습니다. 저는 그들의 작품을 읽고, 전시회를 방문하고, 그런 다음 다른 아티스트로 넘어갑니다. 하지만 그 순간의 아티스트는 제 회화에 대한 시각과 저의 창작물에 영향을 미치며 저를 동반합니다. 그리고 정말 많은 아티스트들이 있습니다! (조르주 콘도, 카우스, 무라카미 다카시, 에츠 에가미, 마츠야마 시게키, 안나 파크, 조르디 커위크, 아담 리스터, 나가바 유, 미스터 두들, 다니엘 아샴, 그리고 다른 많은 사람들! 하하)
앞서 언급했듯이 저는 무엇보다도 예술 애호가입니다. KYNE나 아마노 타케루와 같은 작가들에게는 제가 도쿄의 현대 미술계의 일부이기 때문에 가까운 느낌을 받습니다. 그들은 저와 마찬가지로 다카시 무라카미의 정신적 후계자들이며, 저 또한 작게나마 그런 면이 있습니다. 무라카미는 '슈퍼플랫(Superflat)'의 창시자로, 붓질이 보이지 않고 날카롭고 평평한 선들로 이루어진 회화 스타일을 만들어냈습니다. 이는 인쇄물이나 회화처럼 보이게 하는 매우 그래픽적인 미학이며, 만화 페이지나 광고 포스터에서 영감을 받은 것입니다. 저의 그림도 이러한 점에서 무라카미의 작품과 닮아 있습니다.
재작년에 한국에서도 전시를 한 바 있습니다. 당시 작가님이 느낀 한국에 대한 인상은 무엇이었나요? 한국에서 작품에 대한 반응은 어땠나요?
한국은 제 마음속에 특별한 자리를 차지하고 있습니다. 한국에서 처음으로 성공을 경험했기 때문이죠. 지금도 대부분의 제 컬렉터가 한국 분들입니다. 서울을 여러 번 방문할 기회가 있었고, 도시와 사람들 모두를 정말 좋아합니다. 서울의 사람들은 도쿄보다 더 환영하고 따뜻하며, 또한 더 직접적입니다. 라틴 사람으로서 프랑스와 다른 라틴 민족들과 성격의 공통점을 많이 느낍니다.
또한 서울에는 뚜렷한 에너지가 있습니다. 저는 한국의 젊은 세대가 미래를 지향하는 모습을 보면서 새로운 아이디어, 특히 현대 미술에 끌리는 것을 느낍니다. 도쿄가 과거를 중시하는 경향이 있는 반면, 서울은 확실히 미래를 향해 나아가고 있습니다._ UB와 AR 협업을 하고 또 이번에는 커스텀멜로우와 일상 용품과 패션 협업을 합니다. 협업의 경계가 다양하다는 생각이 들어요. 협업을 통해 작품이 소모되거나 메시지가 달라진다는 생각은 하지 않나요? 협업은 작가님에게 어떤 의미인가요?
저는 협업을 통해 그림과 화가의 세계를 처음 접했습니다. 청소년 시절, 저는 카니예 웨스트와 그의 음악을 열렬히 좋아했습니다. 그는 Kaws나 다카시 무라카미와 같은 아티스트들과 협업하여 앨범 커버를 만들었습니다. 이러한 협업은 처음에는 서로 연결되지 않아 보였던 예술적 세계를 하나로 모았습니다. 무라카미 또한 루이 비통과 많은 협업을 했습니다. 협업은 관객에게 완전히 새로운 우주를 선보일 수 있는 독특한 기회를 제공합니다. 카니예 웨스트 덕분에 저는 이전에는 알지 못했던 예술의 세계를 발견하게 되었습니다. Customellow과의 협업을 매우 자랑스럽게 생각합니다. 패션에 대한 열정을 가지고 있는 저는 이 협업이 다른 프로젝트들의 시작이 되기를 희망합니다. 제 목표는 새로운 협업을 통해 제 예술적 우주를 확장하는 것입니다. 사랑과 마찬가지로, 예술도 공유의 문제이므로 제 작품을 가능한 많은 사람들에게 제공하고 싶습니다.
작품을 통해 궁극적으로 사람들에게 전달하고자 하는 메시지가 있나요?
하나의 메시지라기보다는 여러 가지 메시지가 있습니다. 아름다운 점은 각자가 그 메시지를 자신만의 해석과 비전으로 받아들인다는 것입니다. 제가 특정한 의도를 가지고 작품을 만들 수 있지만, 다른 사람은 그 안에서 전혀 다른 것을 발견할 수 있습니다. 이는 우리의 세계 인식이 얼마나 주관적인지를 상기시킵니다. 우리는 몸으로는 공간에 제약을 받고, 뇌로는 세계를 이해하는 데 제약을 받습니다. 예술은 이러한 기능을 수행하여 사람들 간에 다리 역할을 하고, 아이디어를 신경 세포처럼 순환시킵니다. 그래서 제가 표현하고자 했던 것이 본질적이지는 않습니다. 중요한 것은 제가 그것을 당신에게 전달했고, 당신이 그에 대한 감정을 나누는 것입니다. 이렇게 하면 우리의 작은 상자가 세계에 대한 추가적인 관점을 얻는 것이죠. 만약 충분한 사람들이 이러한 아이디어를 공유한다면, 우리는 신경망을 엮어 인류가 더 똑똑해지기를 바라는 것입니다.
팝아트의 예술성과 대중성에 대한 이야기를 작가님도 한 것을 봤어요(웹사이트에서). 사실 많은 팝아트 작가들이 하는 고민이기도 합니다. 작품의 예술성과 대중성이 구분되어야 한다고 생각하나요?
예술은 종종 특정한 시간적, 지리적 맥락에 연관된 사회적 구성물입니다. 만약 우리가 레오나르도 다 빈치의 '모나리자'를 아마존 숲 속에 사는 사람들에게 보여준다면, 그들은 큰 관심을 보이지 않을 수도 있습니다. 그러나 '모나리자'는 루브르 박물관에서 매일 20,000명 이상의 관람객을 끌어들입니다. 우리의 정체성은 우리가 둘러싼 사회에 크게 영향을 받습니다. 저는 2024년 도쿄에 살고 있는 만화와 비디오 게임에 젖어 있는 프랑스 아티스트일 뿐입니다. 만약 제가 1024년에 태어났거나 3024년에 살았더라면, 제 성격은 제 의지와 관계없이 완전히 달라졌을 것입니다. 저는 3살 된 딸이 '마리오 게임'의 '렛츠 플레이' 비디오를 좋아하고, 수십 개의 포켓몬 이름을 알고 있는 것을 봅니다. 저는 20세기 팝 문화의 산물이면서 21세기 팝 문화에 몰입한 아이를 키우고 있습니다. 신화는 만난 문명에 흔적을 남겼습니다. 그리스 신들이 도자기에 묘사되었고, 이집트 신들이 피라미드에 새겨졌으며, 노트르담 대성당의 스테인드 글라스에 천사들이 그려졌습니다. 이는 당시와 장소의 팝 문화에 해당하는 것들입니다. 그들은 그들의 예술가들에 의해 묘사되었고, 저 역시 제 동시대 사람들에게 공명하는 요소를 참조하고 있습니다.
그런 점에서 커스텀멜로우와의 협업은 또 다른 의미가 있을 것 같습니다. 커스텀멜로우와는 어떤 계기로 협업하게 됐나요?
연구자들은 임의로 선택된 두 사람 사이에 4명 이하의 공통 친구가 있다는 사실을 발견했습니다. 지금 이 글을 읽는 당신도 우상과 단 몇 번의 악수 거리에 있을지도 모릅니다. 이러한 맥락에서 저는 "연결의 연결"을 통해 커스텀멜로우의 협업을 시작했습니다. 커스텀멜로우의 예술적 방향이 제 스타일과 완벽하게 일치합니다. 그들의 작품은 깔끔한 선, 간결하면서도 효과적인 스타일, 그리고 뛰어난 장인정신을 특징으로 하며, 이는 저에게 매우 소중한 가치입니다. 따라서 이번 협업에 대해 매우 기쁘게 생각하며, 제 예술적 우주에 완벽하게 맞아떨어집니다.
요즘 관심을 갖고 있는 건 뭔가요? 사람, 트렌드, 책, 자연 등등 무엇이든요.
지금 저는 완전히 팝 문화에 몰입해 있습니다. 딸이 매료된 캐릭터들의 팬이 되었습니다. 덕분에 어린 시절을 다시 경험하고 있습니다. 아버지가 되는 것은 제 인생을 깊이 변화시킨 완전히 새로운 경험입니다. 현재 제가 좋아하는 아티스트들로는 루디 마이어와 미스터 핑크브러시가 있습니다. 그들의 작품을 꼭 확인해 보세요!
커스텀멜로우와의 협업 작품은 어떻게 선정했나요? 협업의 과정은 어땠는지도 궁금합니다. 작품 선정부터 조율, 어디에 작품을 적용할 지, 또 그 제작 과정도요.
커스텀멜로우의 협업을 위해 제 캐릭터 "Puyo"를 사용하기로 결정했습니다. 이 아바타는 제가 한때 어린이였던 본질을 담고 있습니다. 협업을 위해 선택한 작품들은 제 자신의 그림에서 가져온 것입니다. 또한, 포켓몬에서 영감을 받은 "Buyomons"도 통합했습니다. 포켓몬 팬으로서 제 작은 몬스터를 만드는 것이 재미있었습니다. 이 Buyomons는 도쿄에서 했던 전시에서 비롯된 것입니다. 따라서 이 협업은 저에게 매우 개인적인 의미가 있으며, 제 예술적 우주에 훌륭한 소개를 제공합니다.
앞으로 어떤 작품을 만들고 싶은지 궁금합니다. 영역이나 주제 면에서 확장하고 싶은 키워드나 스타일이 있다면 무엇인지도요.
저는 본래 매우 낙관적인 성격이어서 항상 미래에 집중하고 있습니다. 미래는 넓고 빈 모래 상자처럼 다가오며, 이를 어떻게든 구축할 준비가 되어 있습니다. 어떤 가능성도 배제하지 않으며, 모든 길을 열정적으로 접근합니다. 이런 흥분이 창의성을 촉진하는 원동력입니다. 그래서 저는 특정한 키워드에 제한을 두지 않고 "모든 것"에 열려 있습니다. 모든 영감에 개방적이며, 모든 경험을 제 창작에 연료로 삼고 있습니다.
